Las Flores Rotas

Blog de poesía

pintura sobre la ópera
Édouard Manet, ""Masked Ball at The Opera" (1873)
 




Javier Marías: El hombre sentimental

Idioma original: español

Editorial y año de publicación: Anagrama, 1994

 

Se ha dicho que los “reseñistas”, desde hace más o menos dos siglos, son los “piojos” profesionales que “pican” a los autores y muestran al “público” de qué están hechos (de qué estamos hechos). Con esta novela corta del señor Javier Marías (1951-2022), prolífico autor español, nos calza idóneamente la analogía del insecto y el destripamiento para hurgar en el narrador y protagonista, el León de Nápoles, para que éste diseccione sus emociones, envueltas en un onírico pasado que desangra el presente y futuro de la trama. Si partimos del “cómo” de la historia del culto cantante de ópera que, tras narrar su sueño, nos bosqueja un idilio europeo y cosmopolita, aflora el “pathos” de su propia condición “privilegiada” en una especie de “crítica cultural” hacia su país, especialmente a su ciudad, Madrid. Ese escenario de aparente fruición y fricción abarca los campos sociológicos y psíquicos del protagonista para que su reflexión se extienda (y achique) haciéndose la jaula de su propia vida (y la de sus paseantes lectores): su profesión (el arte musical operístico y las preferencias por ciertos autores), las ciudades que visita, su idea del amor y la lealtad, del conocimiento y lo que conlleva ese esqueleto vertebrado de conjeturas y hechos (con su máxima implícita del “ya no hay vuelta atrás al conocer”). 

Lo telúrico del amor, en este cuadro, siempre se está replanteando tras sucumbir al ser amado, vivo o muerto, tanto en la realidad palpable como en la memoria, siendo un fantasma que merodea constantemente la conciencia (y el subconsciente). Es por ello que la pasión y el “irracionalismo” del amor romántico son guiados por la reflexión del narrador-protagonista hasta ser un círculo sin escape, “vaciado” de sus sentidos (al menos de los sentidos más comunes). Así, la sentimentalidad del León de Nápoles es un circunloquio de su propia fortuna, educación (tanto académica como sentimental); de sus desilusiones, y hasta podemos decir, sin caer en psicologismos, que está formada debido a la carencia afectiva en la infancia y la tormentosa relación familiar con su adinerado tío.

Ciertamente a los protagonistas y narradores de las novelas de Javier Marías se les achaca de empecinamiento, lentitud, redundancia, entre otras cosas. En este caso, el “congelamiento” de la reflexión inhabilita la acción, y todo lo que emprende surge en el revuelo de su propia memoria e imaginación, buscando variar (o reafirmarse) fuera de sus predios subjetivos. La trama, si fuese construida por el pulso de un escritor con menos oficio, ese débil contraste y borrasca filosofal prometería un tedio mortal, el mayor “pecado” de un novelista. Con ese camino tan marcado, la “pasividad” de los otros personajes (los Manur, Dato, la prostituta, Berta y su esposo) se resuelven como fichas hábilmente (re)creadas para mover su espíritu (el de León de Nápoles, por supuesto), contrariarlo y encauzarlo hasta lo irresoluto (anidando frustraciones, búsqueda de otros sentidos y experiencias), y que tal vez, influidos por momentos de introspección, nos lleve a preguntarnos: ¿qué buscamos en los otros? ¿Nuestras relaciones no siempre van tejiendo y destejiendo nuestra interioridad? ¿No hemos sido “piojos” para alguien o “sangre fresca” para otros? ¿No es una cuestión de matices lo que determina lo que nos “mueve”? 

Para concluir, dejando a un lado las analogías zoológicas, dicho detonante emocional (y quid de la trama) es el encuentro del protagonista y su relación con Natalia Manur, mujer algo atribulada y fina, desencadenando una serie de juego de luces y sombras donde la alternancia de ideas, prejuicios y resoluciones digresivas hacen de corpus sombrío que destaca ante la imposibilidad del vínculo pasional y el fracaso de la entrega.

 

Mujer en blanco y negro. En fondo colores diversos.
Andy Warhol, "One Multicoloured Marilyn (Reversal Series)", (1979-1986)




El libro de la escritora y crítica mexicana Avelina Lésper despierta las conciencias adormecidas sobre gran parte del consenso en torno al arte contemporáneo. Sus ideas van dirigidas a los que rotulan como arte cualquier manifestación que desvincule la creación del pensamiento, la crítica y el disfrute estético. 

Esos requerimientos indispensables mencionados, tanto para el artista como para el espectador, para Lésper, están condicionados por las maniobras discursivas-ideológicas en consecución de transformar cualquier cosa (la mayoría de las veces sin un objeto en sí; sin obra) en arte.

Que se nos pida alienar nuestra percepción para aceptar como arte algo que no demuestra valores estéticos es pedirnos que mutilemos nuestra inteligencia, nuestra sensibilidad y por supuesto nuestro espíritu crítico.

Para Lésper esa complacencia retórica está por encima de la creación y  su ejercicio, demagógico y alineado a intereses particulares, desfigura la misma noción de arte: "...contradice la misma naturaleza del objeto..." (p. 17). 

Son contados los ejemplos que nos da la autora de artistas cuya mediocridad, lasitud o mera tomadura de pelos, los cuales ponen un especial énfasis en conceptualizar sus obras y no en la facturación de las mismas, esquematizando lo que el espectador, con sus propios criterios, sentidos y razonamientos, está en capacidades de hacer; es un arte que limita las lecturas posibles, discernibles o no, y cuyas funciones, que no son del todo lineales ni intencionales ni mecanizadas, se desvanecen tan pronto como el parpadeo del observador. 

Es la génesis del artista-espectador-crítico que con sus creaciones opera una multifuncionalidad que se agota en sus propios juegos; lo lúdico, inyectado por los contextos socio-económicos y políticos de cada época, cae en lo paródico: la ironía de Duchamp con la fuente y la reproducción infinita de Warhol, entre otros ejemplos paradigmáticos, fungieron como las antítesis de lo que ahora es permitido: la proyección del negativo es ahora la nueva imagen imperante.

La propia idea de arte ha mutado, ensanchándose a terrenos insospechados. La teorización filosófica reclama sus cuotas de creación; las directrices que enmarca para el juicio estético y crítico se emparentan con la teología: "No tenemos que ver la obra: esta existe si creemos en lo que ya han escrito sobre ella" (p. 19).

Esa sacralización de los significados, del concepto por encima de la creación (en un juego de arbitrariedades, intenciones y guiños), desplazó a lo objetivo: lo verificable subyace en lo antes citado por el artista y curador, especialistas que tienen la última voz y control aséptico sobre la interpretación que les pertenece. Entonces, el arte, lo público, se convierte en una maniobra narrativa domesticada por sus intenciones y moral; un vehículo manipulado por las modas, panfletos o reclamos sin una incidencia en el terreno del goce estético.

No obstante, más allá de la discusión reptante sobre qué es arte y cual debería ser desechado en sus intentos, por más nobles que sean, John Barth, escritor estadounidense, nos recuerda en "The Literature of Exhaustion" que el arte también tiene validez intelectual en la ironía: lo ejemplifica con el "Pierre Menard, autor del Quijote" de Jorge Luis Borges. Esa mirada incisiva sobre lo perpetrado, aunque sea una pretensión de escribir el Quijote de memoria, un espejo de ese otro gran espejo que ha destellado a toda una civilización, es un muestrario de las intenciones del artista, ya sea escritor, poeta o pintor, al querer lanzar al mundo lo que sus ojos, sentidos y experiencias han registrado, manipulado y rehecho para dar algo nuevo. El mismo Barth dice que de Beethoven componer hoy en día su Sexta Sinfonía sería un fracaso (la palabra empleada por el mentado autor fue 'embarrassment'). Esa sentencia, en detrimento de lo expuesto por Lésper, reivindicaría la carga irónica del "no arte": un gran cuerpo que se va reconstruyendo a través de metarrelatos, apropiaciones, ideas nuevas a partir de lo ya creado, el plagio, imitaciones, lo kitsch etc., los cuales nos indicarían el baremo del arte, y su historia, y no de la cultura en sí misma. Algo así como el envoltorio de plástico sobre el David, impertérrito, llevando su observación lívida a nuestras marmóreas disquisiciones. 




Barth, John (August, 1967). The Literature of Exhaustion. The Atlantic.

Lésper, Avelina. El fraude del arte contemporáneo. Online.

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