Las Flores Rotas

Blog de poesía + Artes Visuales + Entrevistas literarias


 

Las Flores Rotas Blog de Poesía se complace en publicar una muestra de Tradiciones, libro de relatos de Francisco Camps Sinza (La Guaira, 1988). Se puede leer, de forma gratuita y libre acceso, Siete (7) relatos en formato PDF.  

Tradiciones es un libro de catorce (14) relatos escrito hace más de ocho años. 

El libro comienza con Hene, la historia de un niño, Nígelher, el cual vive con su madre, abuela y pequeño hermano. Aficionado al cine, recurre al Teatro Star para olvidar sus avatares cotidianos. En el transcurso de una de sus jornadas cinéfilas, buscando dinero para pagar el boleto, recurre a un hombre, Will, diletante y misterioso.

En El lienzo de Wittgenstein, dos hermanos, Justina y Gael, codifican su entorno a través de un lenguaje propio. En un día cualquiera, en casa de su padre, conocerán a Marilyn y Virginia. En ese escenario, entre comida, bebida y juegos, saldrá a la luz un hecho fundamental en sus vidas.

Resolución es la historia de una chica que ama dibujar y el arte. Rememorando la historia compartida con su ex amiga, Susana, en un viaje que hicieron a la casa de un conocido, encuentra en un cuadro la posibilidad para desplegar su imaginación.

Si la quiero tanto debe su nombre a una canción que une la historia de amor entre Lucinda y Ricardo, contado desde la óptica de Griselda.

En ¡Traigan al padre!, Augusto Fortepiedra, enfermo, pide llamar a su amigo de la infancia, el padre Jesús Meléndez, para resolver un enigma familiar.

Los gritos es la historia de unos chicos que escuchan voces en el cuarto de una antigua casona. Dispuestos a descubrir que sucede allí, escuchan atentos lo que el Tío Claudio tiene por decir.

Por último, Lapso es la oportunidad para que el protagonista de la historia recuerde un evento agridulce en el colegio, el cual dejó una impronta indeleble en su infancia.

 

¡Bienvenidos!

 

 

Claudio Bertoni

Edición de El cansador intrabajable, cortesía de Memoria Chilena.



Libros recomendados: Claudio Bertoni Lemus, El cansador intrabajable (II), (Chile: Ediciones del Ornitorrinco, 1986).


Leer a un poeta foráneo, aún cuando sea en nuestra propia lengua compartida (obviando los idiolectos, modismos y esos guiños culturales auxiliares a una mejor comprensión/interpretación), siempre es un reto. Una complicación menor, si no exageramos. Con Claudio Bertoni Lemus, poeta, músico y fotógrafo chileno, lo hilarante, la nostalgia, el dolor, la vergüenza, lo lúdico (en forma y fondo), la sexualidad, entre otros asuntos, están en la carta.  

 

El cansador intrabajable (II), poemario publicado en 1986, comienza con un díptico familiar dedicado al padre y a la madre. En el poema Mi padre y yo, un viaje en carro es motivo para describir los pormenores circundantes y afectivos desde la mirada del poeta en su juventud:

 

Nos mirábamos a la pasada sin darnos cuenta
         cuando nuestras miradas se tocaban
         en los cerros
                                en el cielo
                                                    en un potrero...


Las circunstancias de esa travesía reflejan un afuera marcado por esa división sexual del trabajo en una familia común clase media, donde la figura del padre "es de la calle" (y la madre "de la casa", como leeremos a continuación), como se remarcaba popularmente, de forma sexista, esa brecha entre géneros. Ese escenario antes mencionado es explícito en Mi madre y yo, poema que establece un retrato de la vida cotidiana del escritor chileno con ella:


Llevamos una vida
perfectamente triste
y tranquila


Yo voy de compras
ella cocina
y yo lavo las ollas...


El contexto es importante: hablamos de la década de los 70 y 80 del siglo XX. Bertoni, de forma emotiva, melancólica, sin juicios, expresa un tiempo pasado de su infancia y/o adolescencia que extraña por su sencillez y despreocupación. También, es importante añadir de forma concisa una reflexión de Lou Andreas-Salomé, escritora y psicoanalista rusa, en su texto El ser humano como mujer, sobre su visión de lo femenino que concatena con lo antes expuesto:

 

En la mujer parece como si todo desembocara en su propia vida interior, no hacia el exterior: dentro de su interior como en el ámbito de su propio círculo, como si no pudiera salir de ella sin herida o dolor como la sangre de la piel (p. 21).


Siguiendo, en Watergate, el poeta describe una serie de rutinas cotidianas previas a la rueda de prensa del entonces presidente estadounidense Richard Nixon, el cual fue vinculado con una red de espionaje contra el Partido Demócrata, y por el que dimitió a la jefatura del gobierno, siendo hasta ahora el primer mandatario de ese país en hacerlo. En las divagaciones ansiosas de ese poema leemos:


¿Haré algún día en poesía
lo que hace Big Bill
en Blues?


A lo largo del poemario es constante el juego con las formas en muchos poemas descriptivos sobre eventos regulares con algunos toques fantásticos: el asedio de tres tazas de greda, un baño en la tina, el descenso del telón de la niebla londinense, etc. También, al ser Bertoni músico, despliega su conocimiento melómano en muchos de sus poemas sobre el Jazz, Rock, Blues y hasta el Pop, o retratando a interpretes, músicos y grupos de esos géneros, no sin añadir sus tintes de irreverencia y jugarretas personales o referencias a otros autores (por ejemplo, en el poema Los Rolling Stones menciona a Nicanor Parra, Ezra Pound y a Peter Schjeldahl, crítico de arte de nacionalidad estadounidense).


Por otra parte, el amor y lo erótico, ya sea de su novia, en el ejercicio memorístico de sus ex amantes o en el enamoramiento fortuito en el Underground de Londres, son otros temas distinguidos en la obra. En Flaquita, leemos:

 

eres 

la estufa

más poderosa 

de la tierra

                        estás

                         en Barcelona

                                                    [...]

                                                              y 

                                                               todavía 

                                                               me calientas


Claudio Bertoni es un prolífico escritor que se desgañita (¿habrá un equivalente en español chileno?) en sus obsesiones y en el que, al adentrarnos en su obra, por lo menos en la reseñada, los lectores salen con ganas de más o dimiten a continuar esa senda donde lo reiterativo, el diario familiar, amoroso, sexual, los cantantes, escritores, música y, por supuesto, la escritura, entre otros asuntos, guían la educación sentimental de un escritor que desea, en esa meta elevada de un escritor zen sureño, no tener dolor, tal como aseguró en una entrevista (The Clinic, 8 de febrero, 2022):


Y lo único que busco, el único norte que tengo hace unos años, se vincula con algo que dice Aristóteles: el hombre no busca el placer sino la ausencia del dolor. Eso es absolutamente lo que yo-hago y he-hecho-toda-mi-vida. Y me aseguraré de tener montones de morfina si hay que aliviar algún dolor. 

 

Bibliografía

Lou Andreas-Salomé. "El ser humano como mujer" en El erotismo. España: José J. de Olañeta Editor, 1983.

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Harry Almela
Edición de Los daños colaterales, cortesía de La Poeteca.

 

Libros recomendados: Harry Almela, Lo daños colaterales (Caracas: La Poeteca, 2019). 


Harry Almela (Caracas, 1953- Carabobo, 2017) fue un poeta, narrador, educador, ensayista, investigador, editor y promotor cultural venezolano. Su trayectoria literaria es profusa en la poesía (con más de una docena de poemarios publicados), destacándose en el panorama literario contemporáneo de Venezuela en dicho género, además de una notable incursión escritural en la narrativa, crítica y el ensayo. 


Los daños colaterales, publicación póstuma gracias a la notable labor de la Fundación La Poeteca, nos plantea un desafío particular: salir airoso contra la desesperanza de la pérdida, la derrota, en ese saberse extranjero en sus propias tierras; en la rebeldía contra todo mandato forzado que cae, con el martillo de la soberbia, por fuerzas humanas en una tierra edénica y, paradójicamente, yerta. Eso fue lo que, según mi aproximación, plantea, a grandes rasgos, Almela en el poemario que recomendamos:

 

y este refugio
encaramado
en el centro de ninguna parte
se derrumba


con nosotros...


La destrucción es cónsona a las vivencias de los últimos años en el país. La experiencia propia, vivida, leída y comentada, con sus matices esenciales, se contrasta con la de nuestros semejantes para crear memoria (y/o despertarla):

 

hay cosas de las que se puede hablar
sólo al volver de ellas...

 

Una breve y sentida semblanza del poeta, realizada por Edda Armas (El Cautivo, 28 de abril de 2018), nos vendría bien para crearnos una imagen próxima a él:


Batalla consigo mismo pero también con los otros. Harry no era hombre de dudar en hurgar, aclarar, zanjar incisivo y clavar el colmillo en el tobillo si convencido estaba de tener que hacerlo en busca de una verdad, aunque le valiera enemistades. Tú, “mejor de amigo que de enemigo”, le decía siempre yo. Más amigo (cómplice) que enemigo resultó ser, a pesar de nuestras diferencias y algunos pocos líos con los que lidiamos a lo largo de la vida.


También, nos resulta interesante el panorama que bosquejó Almela (entrevista realizada por Mariana Centeno, 14 de septiembre de 2012) de la Venezuela contemporánea:

 

Ha habido una mutación del paisaje, lo han cambiado todo, y lo poco que ha quedado se ha ido derrumbado. Nos cambiaron la hora, el escudo, la bandera, las calles, los edificios, las carreteras, el paisaje natural, y todo lo demás se está destrozando [...] Al desaparecer los paisajes, al transformarse, hay una ruptura entre los seres y su entorno. Hay un hueco terrible que sólo una modulación de lamento, de queja, de rezo, de oración, puede intentar resolver.

 

Volviendo al poemario, la influencia bíblica se plasma en las imágenes, metáforas de ese trabajo que permaneció inédito hasta su fallecimiento:


...se oye el shofar
y las trompetas del juicio...


Poetas como Ajmátova, Tsvetaieva y Mandelstam (gracias a la referencia de Edda Armas), los cuales vivieron el ostracismo, la pobreza y, como en el caso de Mandelstam, la muerte por la maquinaria burocrática soviética, también son parte que integran el imaginario recorrido en Los daños colaterales. 


No obstante, no hay un enemigo particular en la obra; ni el Estado, ni el letargo de sus ciudadanos, ni mucho menos está calibrado por la resina de la mansedumbre ideológica de sus figuras heroicas, distorsionadas por la propaganda partidista y el resquemor de la nostalgia. 

 

Es que, lejos de plantear una postura moral o un recetario subversivo, los poemas de Los daños colaterales ahondan en el Yo frente ese desierto de respuestas humanas; el poeta, y el lector, cómplice, se ven solos ante un mar indomable, sin islas que puedan guarecerlos, y, sin duda, contemplando el parto de un naufragio inminente:


...sumisos
entre quien abandona
y quien maltrata


no hay boyas sobre la espuma...


Su ética, en todo caso, sería la del observador: incansable, metódico, la de un solitario deambulando ante la bruma sin horizonte promisorio, sugiriendo un refugio en nuestra única y consoladora esperanza ante la muerte: la palabra.


fundamos nuestro infortunio


fieles a esa heredad
permanecemos en el maquillaje
que nos oculta


y ningún secano está a salvo
de nosotros


La lengua común será el desamparo. Resistir es el único mandato en esos códigos de un silabario que manejamos (¿o nos maneja?) a tientas, deambulando en las coordenadas de ese temporal que mueve, imparable y caprichoso, la escora de nuestra embarcación: 


el océano no borra
nuestro abismo


Harry Almela, con su mirada de marinero aventajado pergeñando otro horizonte, debe ser leído y releído, no solo por los jóvenes en formación sino por cualquier persona en general; difundir su obra, arropar hasta dónde se pueda con su palabra el ciego instinto individual en una tierra de luz esencial, con su tristeza, exuberancia y esencia de piel traslucida en el desamparo, es una empresa lúcida. Sin promesa ni decálogo, navegando entre los iceberg de piedra sólida, solo podemos conformarnos con un aliciente ínfimo a ese andar errabundo cotidiano (¿para despertar? ¿conocer? ¿accionar?):


...huimos del abismo
y no queremos ver...

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Alejandro Salas, Erotia
Ejemplar de Erotia.

 

Libros recomendados: Alejandro Salas, Erotia (Caracas: Editorial Mandorla, 1986). 


Di con Erotia como quien descubre un objeto ajeno a ese paisaje urbano caminado y digno de escrutinio diario. Desconocía la obra y persona: Alejandro Salas (Caracas, 1960-2003), poeta, artista plástico y editor caraqueño, ya sea por mi ignorancia, que es mucha, o por la poca reseña que se le ha dado a su obra, al menos en el ámbito digital. 


El asunto es que, tal hallazgo, en gran medida por la labor de Círculo de Poesía, página y grupo editorial mexicano, publicando una relectura de su 40 aniversario del poemario que recomendamos, es digno de compartir. 

 

En otra casualidad, ya un poco más meditada, consigo Erotia de forma íntegra. La primera lectura me ofrece un paralelismo circunstancial (y otro primitivo): circunstancial porque lo emparento con otro poeta caraqueño, Alejandro Castro, cuya poesía erótica, descarnada, lúcida y transgresora soy lector asiduo (en lo primitivo, ya que he leído su poemario No es por vicio ni por fornicio... diez veces o más, y puede que ese parentesco se deba a mi percepción viciada por los poetas de mi tiempo en ese empeño cronológico y ortopédico de las lecturas contemporáneas). Luego de esa impresión, la obra de ese otro Alejandro, fallecido prematuramente, se sostiene por sí solo.

 

Erotia se publicó en 1986. En el poemario, cuyos dibujos son del mismo autor, Salas despliega un juego de joven aventajado sobre la rayuela del amor: un cuerpo, entregado a otros cuerpos, a los voyeur, sean visitantes recurrentes o merodeadores. En el primer poema hace una advertencia a los que no creen en esa religión tan divulgada y que abraza a feligreses de toda índole:


... sus negadores pueden ahora oír la verdad

y también aquellos que lo llaman

sin esperanza...


Esa ofrenda a los escépticos, solitarios, a los Luteros que cuelgan sus enmiendas en el pórtico de la habitación, lugar donde se resguarda la cama, escenario de ritos (por allí se cuela la luz del alba, donde se espanta la oscuridad del mundo), santificada predilección para la entrega de los amantes:

 

La historia de amor comienza en la cama

el lugar de la desesperación

de las sábanas sucias que llevan al olvido...

 

El amor, entonces, es el verbo hecho carne que sostiene la creencia pagana más difundida por la humanidad: sacralizada, vendimiada, negada, bifurcada hacia el rencor, el odio, en la incomprensión material de sus oficiantes. Como todo resquicio antropológico, Dios entra en sus dimensiones: éste, en el poeta, es producto de la oración vespertina antes del acto:


Escribimos con nuestros cuerpos los hexagramas

mi señor, en cada estación nos llenamos de signos...


o es parte de la animalidad nocturna negada a toda metafísica de la entrega:

 

...vaivén que recibe a dos amantes llenos de

 ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​​​ [miedo

que buscan enfrentarse, herirse y perecer

hasta no tener más hambre

tirados allí como víctimas de una matanza:

el dios de ellos está lleno de rabia

por eso, después de la entrega, no vuelven a

 ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​ ​​​​ [hablarse.

 

Denis de Rougemont, en su libro Amor y occidente, nos recuerda que su base ha sido la pasión: ardorosa, mortal, sufriente. Ese elemento filial e indistinguible en la literatura de este lado del mundo (recordemos Romeo y Julieta, cualquier novela de  Jane Austen, etc) es parte del poemario que recomendamos. Entonces, los gemidos, gritos, el cuerpo contorsionado en la vorágine del dolor y placer, en el goce y la agonía, en la victoria de la vida ante la muerte y, en esa mecánica, limitando la geografía certera de la extinción, son parte de esos elementos complementarios y antagónicos que no pueden escindirse del encuentro tan humano como divino:


Este es el círculo de los violentos contra la 

                                                                   [naturaleza...

 

Federico Paganins, en Papel Literario (El Nacional, publicado el 23 de abril de 2021), habla de Alejandro Salas como un renacentista nacional. Y estoy de acuerdo: es un artista que manejó la simbología culta, las lecturas populares, conoció la tradición haciéndole tomar partido por el bando dionisíaco, y así dispuso, al trascender la palabra santa y la representación (es un heredero de Caravaggio donde estudió a la prostituta que posee suficientes virtudes para hacer de Santa, y al pordiosero fiel a la imagen de Cristo) de ese debate tenebrista de las luces viriles y la virginidad de las sombras prohibidas:


Lesbia ha estado conmigo Catulo hace un instante

sus nalgas de luz de lámpara me han acompañado...


La amante es una promesa de totalidad. A veces encarnada en la primicia de su genitalidad, otras con su voz lasciva animal o representada en la nada sensual desbordada de su corazón que lo acompaña. Es importante señalar esa mención a Catulo (ese poeta que quiso vivir de la poesía y el ocio, muriendo a los treinta años) y a su amada, Lesbia (esposa y amante, musa del rapto poético y flor caída de la desilusión amorosa), cuya pasión estuvo urdida en un pacto sáfico. Entonces, como sucede con esos amantes mencionados, se recalca, en ese canto exuberante, que el sexo, en toda su potencialidad, es una cuestión de amar: 


...Dentro de poco una mujer va a ser colmada.

Muerde sus labios.

Es un asunto de amor.


No deja de ser interesante llevar la lectura de Erotia al callejón de nuestra época donde un tajo del amor romántico parece ser precario, distendido en la ludopatía de las App y redes sociales digitales. Capaz, en un no menor porcentaje, las relaciones sexuales pueden ser percibidas como un lenguaje fuera de la relación amorosa (fuera de esa liturgia referida anteriormente), para brindar una operación taxonómica cónsona a la economía dominante: de aparente libertad, fluctuación, sin la estática provisión de lo duradero, prometiendo la inflación ilusoria del deseo sin aterrizar en la realidad de la carne. Siguiendo esos puntos, nuestro libro recomendado puede servir a esos individuos que confían en la entrega, lo utópico, en la sacralización de los rituales, en la salud de eros para hablarnos de otro tiempo y su porvenir.


Bibliografía

Rougemont, D.  Amor y occidente. Editorial Leyenda, S.A.

Caneo Arguinzones, Las flores rotas blog de poesía, Poesía venezolana
Johann Caspar Fuessli, Archives de l’histoire des insectes Pl.32 (1794)


 

Memoria

 

Tozudo escultor, talla mi rostro, desfigúrame.




Bozal


Perversa sensación herirlo
cada carne tibia desvela
mi llama-conciencia


                      Huele fresca


Se revela como manjar
desangrado


Poseo mis colmillos tras el bozal de la duda


Mi libertinaje se ha desvanecido.
Intento a rajas controlarme,
llevarme a la inanición,


abandonar la mueca.





Cuenca



Cajón o refugio
arriba
cuadriculada la noche


Artificial depresión en la tierra


Poco saben de mí
y me pudro


Náusea informe del aliento,
andar


Manto espeso
esta cordura enferma


¡Brota de mí, moral!


Aquellos no me saben y la sed
la he olvidado.





Semilla


Partí en busca de la nuez,
partí esta cáscara deforme


partí al sur
en dos quebré,


El recorrido se hizo doble:
uno áspero y poroso
otro almendrado


Aceitosa ánima en busca de sí
para partir cabeza, pecho y nuez.





Calla


Silencia el recuerdo de mi ingle,
su mirada.


No menciones cómo llegué a mirarte
aquella noche.


Yo ocultaba un diáfano cristal,
por él sé de siluetas, del jadeo, de la luna…
cuando abierto me desvela.


Conoces el lagrimal allí oculto,
haz palpado sus párpados.


No piques
mi fémino ojo
o me dejarías
tuerta




Caneo Arguinzones (1987-2014). Zoo: Anatomía del insecto. Caracas: Monte Ávila Editores, 2011.

 

Albert Pinkham Ryder, "The Poor Artist" (s/f)



El libro


El lugar era oscuro, polvoriento, casi perdido

entre una maraña de viejos callejones junto al muelle,

que hedían a cosas extrañas traídas de ultramar,

y con inusuales ondas de neblina que el viento del poniente dispersaba.

Unos pequeños cristales romboidales, opacados por el humo y la escarcha,

apenas dejaban ver los montones de libros, apilados como árboles deformes,

pudriéndose del suelo al techo: un cúmulo

de antiguas sabidurías que se desmoronaba a precio de saldo.


Entré, hechizado, y de un montón cubierto de telarañas

cogí el volumen más cercano y lo hojeé al azar,

temblando ante las raras palabras que parecían custodiar

algún secreto monstruoso para quien lo descubriera.

Entonces, busqué al taimado y viejo vendedor

pero solo encontré el eco de una risa.




La llave


No sé qué recodos en la desolación

de esas extrañas calles portuarias me devolvieron a casa,

pero en el porche temblaba, desvaído y con el apuro

de entrar y echar el cerrojo a la pesada puerta.

Tenía conmigo el libro que revelaba el camino oculto

a través del vacío y de los velos suspendidos en el éter,

que contienen los mundos sin dimensiones

y confinan los ignorados eones en su propio dominio.


Al fin poseía la llave de aquellas vagas visiones

de agujas contra el ocaso y bosques crepusculares,

que acechan sombríos en los abismos más allá de la medida de esta tierra,

persistiendo como Recuerdos de Infinitud.

La llave era mía; pero mientras, allí sentado, murmuraba,

la ventana del ático se estremeció con un tenue forcejeo.





H.P. Lovecraft (1890-1937). Poesía. H.P. Lovecraft. Santiago de Chile: Revista Montaje. Publicado el 2 de octubre 2025. Traducción: Angelo Chacón Sequeira.

 

Valenthina Fuentes (Foto cedida por la autora)

 

Valenthina Fuentes (Caracas, 1985) es una poeta, investigadora y artista visual venezolana. Licenciada en Artes y Letras (Universidad Central de Venezuela), Maestría en Literatura Latinoamericana (Universidad Simón Bolívar), ha publicado Sumergida (Premio Nacional de Poesía Fernando Paz Castillo, 2012) y Kerosén (Premio Bienal Internacional de Literatura Eugenio Montejo, 2017).

Nos propusimos realizar una entrevista por correo electrónico para que la poeta nos cuente sobre su idea del arte, la producción poética, así como sus proyectos creativos.


Preguntas:

 

1) Poeta, literata, artista, tallerista, investigadora... ¿La metodología es parte medular de tu creatividad?

V.F.: Nunca lo he pensado de ese modo, pero podría ser. Me gusta pensar y descubrir procesos creativos. Quienes creamos dependemos de las maneras de crear (de los métodos), así que buscamos, de manera más o menos consciente, esos métodos para que un texto o una obra se logre. En mi escritura poética, ese interés no supone un sistema fijo o programático. Mientras que la escritura teórica o crítica la veo como una actividad diferenciada y creativa desde otro lugar. Y, aunque he podido identificar patrones en cómo experimento la creación, tanto como puedo reflexionar sobre las condiciones que han facilitado mi trabajo creativo, es algo que he pensado posteriormente. La investigación y cierta laboriosidad creo son aspectos medulares, pero la investigación entendida como una actividad muy amplia, con cierto rigor. Pienso que cada proceso, cada obra, tiene exigencias distintas. Y en el caso de mi obra poética la voy sintiendo más o menos completa en la medida en que recorro un camino más bien intuitivo de escritura, que en el tiempo voy definiendo mejor, mientras corrijo, mientras busco leer textos de otros, o bien busco lecturas de otros sobre los textos propios, si es posible. En todo caso, no ha supuesto para mí un formato previo, más bien, he tanteado intuiciones sobre cómo seguir y quizás eso también pueda declararse como método.   

 

 

2) Se ha escrito que sus poemas indagan sobre lo órfico, el misterio, los vericuetos de la Otredad; la tradición literaria de escritoras venezolanas y su legado en la herencia cultural; la pérdida materializada en lo corpóreo tanto en lo humano y lo urbano, lo inasible y la capacidad del lenguaje para articular el desarraigo; la dialéctica entre luz/oscuridad, así como también sobre la alienación en componentes estructurales del espacio social... ¿lo poético ha sido el lenguaje propicio para inscribir discursos ausentes en un cuerpo más extendido?

V.F.: Creo que la poesía es el lugar donde el lenguaje puede liberarse, jugar, reinventarse desde una necesidad, desde una búsqueda interior, quizás de una verdad. Y ha sido desde esa premisa, dicha de una manera bastante reducida, que he podido vincularme, con aciertos y fracasos, con la escritura poética.

 

 

3) Quisiera conocer el contexto para la escritura de «Sumergida» (Celarg, 2012). ¿Consideras que, al escribirla, le quitaste el mutismo a la máscara o aún permanece en la sombra de lo que reverbera?

V.F.: Sumergida fue la reunión de mis primeros poemas. Empecé a escribir poesía algo tarde, mientras estudiaba en la universidad. Las lecturas de ese momento me conmovieron, me hicieron pensar y habitar de otra manera el lenguaje, así comencé a escribir algunos textos. No sabía que reuniría algunos de esos poemas bajo ese nombre, ni cuáles. Comencé a juntar los que me parecían afines, y mientras los ordenaba comprendí que podían desplegar imágenes comunes. Estaba en un contexto de mucha lectura, muy diversa, y creo que reflejan esa interioridad. Pero siempre quedará mucho por decir y mucho que todavía no encuentre una forma terminada en la escritura. Decir, escribir, es algo que siempre estará entre lo expresado y lo no expresado, emergente del silencio o del ruido. Por otra parte, la constitución de lo personal, de la persona, suele pasar por el reconocimiento de sus máscaras.

 

 

Disponible en https://eldienteroto.org/wp49/kerosen/

 

 

4) Mientras que en «Sumergida» te adentras a la geografía emocional y física de lo que permanecía vedado, «Kerosén» (Fundación La Poeteca, 2018) parece la radiografía de una ciudad en llamas. ¿Crees que tu segunda obra fue producto de una metamorfosis temática de la primera o una amplitud convulsa de sus límites?

V.F.: Resultó de la misma forma que Sumergida, de la reunión de poemas afines en una escritura de algunos años, quizás con más experiencia para identificar cómo los textos podían ordenarse. Luego tuve la idea de que eran poemas con un tono apocalíptico, muy arraigados en lo urbano, que implica una devastación, una violencia organizada de distintos modos, de la polis, de lo político, así que ese espíritu fue guiando la selección del conjunto. Hay otros temas, sí. Una relación con ese entorno desde su interiorización.

 

 

5) La sed, el deseo, la fractura entre la realidad y el sueño, la oscuridad reptante, lo abismático... ¿La palabra justa o la necesidad de que la palabra se ajuste a lo deseado?

V.F.: Creo que el poema como organismo desea palabras verdaderas. O quizás sea yo, cuando escribo, quien desee algo de verdad en el juego de las palabras, así que primero habría que definir lo que es justo, tanto como el deseo en el lugar del lenguaje, que no es poco por definir.

 

 

6) El epígrafe es un elemento recurrente en tu producción poética. ¿La lectura como búsqueda subrepticia de lo interior o ventana ocasional a la obra?

V.F.: Creo que es una manera de honrar la lectura y mis lecturas, de hablar de la tradición de donde vienen mis propias palabras, de las resonancias de la escritura. También es una imagen de cómo se hace la literatura, de palabras de otros que se entrelazan a las “nuestras”, de ecos y apropiaciones. Es una idea manida, pero muy certera, en la literatura. Es volver a hacer ese tejido, reunirme en una conversación ya empezada, y una forma de invitar a leer más, a descubrir otras escrituras.

 

 

7) Respecto al proceso creativo de escribir poesía, ¿oficio de artista en su taller o inspiración de una resistencia liberadora?

V.F.: Pienso que se puede presentar de distintas maneras, que hay diferentes momentos en el proceso de escribir. Unos momentos más vinculados al oficio y la laboriosidad, y otros más relacionados con la inspiración, con el impulso de unas palabras que parecen dictadas. Creo que ambas instancias son muy necesarias para escribir, para crear y para que eso se llegue a fijarse, a mostrarse, a ser publicado.

 

 

8) La palabra: ¿cuerpo libre o súbdito de nuestra propia corporeidad?

V.F.: Quizás es parte de lo que nos preguntamos quienes escribimos, de las preguntas que transitamos al escribir, entre tantas que nos hacemos, que proliferan más de lo que logran responderse.

 

 

9) «El vaso da una forma al vacío, y la música, al silencio» escribe Georges Braque en El día y la noche. ¿Qué espacio consideras ocupa la poesía?

V.F.: No lo sé, puede ser que abra espacio al lenguaje para renovarse, más allá de lo comunicativo, o que haga comunicable algo que en principio no se suponía emerger. Quizás sea donde se expresa el ser del lenguaje o donde podamos experimentarnos como lenguaje. No creo que pueda saberlo.

 

 

10) En Poesía («Escrito con sombra», abril 26, 2021) leemos:

Escritura
telar de pesadumbre
mustia memoria entrelazando
manos heridas con sed de vastedad
no dejan de tejer
en un tropel de voces que se enredan
ciñen los dedos
enramándose

reviste el cuerpo
una piel pétrea
una espera
la ha dejado crecer sobre la página

 

La escritura: ¿mandato o elección?

V.F.: Podría ser un mandato elegido o una elección mandada. Puede derivar de muchas condiciones y tener propósitos variados, así que puede convertirse por igual en muchas imágenes. Y justo en ese conjunto de textos de “Escrito con sombra” exploro algunas imágenes de la escritura.

 

11) Además de tu labor académica e investigadora, ¿tiene algún proyecto literario en mente a largo o mediano plazo?

V.F.: Siempre tengo proyectos en mente, en marcha, de escritura poética, de creación, aunque a veces a medias, porque las circunstancias para que esos proyectos se muestren o florezcan puedan ser adversas. Hay libros sobre los que trabajo, lentamente. Y últimamente estoy dedicándome a un canal divulgativo sobre poesía en Youtube. Es un proyecto personal en el que soy todavía inexperta, así que iré mejorando y buscando mi forma comunicativa, pero me entusiasma porque me permite vincular muchos intereses: el formato audiovisual, la escritura, la expresión y lo educativo. 

Estoy empezando y no he hecho difusión, porque aún no lo siento definido, pero espero comenzar a invitar a mirarlo. Más que todo porque creo que es muy importante ahora intentar crear espacios y reivindicar el trabajo poético y creativo como trabajo humano, sensible y complejo. El canal se llama Tachaduras. Dejo por aquí el link por si alguien se siente llamado a visitarlo o a apoyar este tipo de proyectos: https://youtube.com/@tachaduras?si=sdHVyM3rJ_UDpCdy

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