Flores Rotas

   El lenguaje no es estático; se transforma. Lo mismo sucede con la tecnología, las artes, y entre ellas, el cine. Con Mala sangre (Mauvais Sang, 1986) sentimos esa parte del cambio: es una película que posee un dinamismo que no abandonaría la década de los 90. Y, a pesar de ser una historia que podemos situar entre el “surrealismo” y la “modernidad”, posee elementos del cine clásico.

   Podría decirse que Mala Sangre es una película que cumple con los dos elementos indispensables para hacer una película según Godard: Una chica (en ésta hay dos) y una pistola. También, hay un dicho que asegura que los genios siempre presentan los mismos elementos en sus obras: sus temores, manías, cosmovisiones. Con Léox Carax podría decirse que ocurre eso.

   Alex (Denis Lavant) es un chico ventrílocuo que se gana la vida haciendo trucos de barajas en las calles de París. Tiene una novia, Lise (Julie Delpy), fiel, que le ama, la cual abandona. Tiene un deber, uno que no pudo cumplir su padre: debe robar una cura de una enfermedad similar al VIH. El contexto de la enfermedad en los años 80 fue un pandemónium. Aunque, en la película, el futuro parece más prometedor, no deja de ser caótico.

   Alex conoce a la dupla delictiva liderada por Marc (Michel Piccoli) y allí conoce a Anna (Juliette Binoche), y se enamora de ella desde el primer instante. El reconocimiento de ese amor, y el desbordamiento del mismo, se presenta en la escena del baile-trote-corrida, por la calle al ritmo de “Modern Love” de David Bowie.

   La historia se presenta como un film noir, o posee su base: crimen organizado, asesinatos, hechos delictivos. Aunque los maleantes o gánsteres parecen caricaturas. Las comparaciones son necias pero hay una similitud entre La Americana y el personaje psicópata interpretado por Dennis Hopper en Blue Velvet (1986) de David Lynch.

   Mala sangre es una frenética historia de amor. De ese amor adolescente y del maduro. Compuesta por momentos sublimes y alocados donde la música es parte importante para expresar sentimientos; donde lo que se dice a veces no es todo. Y lo que se guarda, puede quedarse para siempre.

   La buena boda (“Le beau mariage”,1982) es una radiografía sobre el amor y lo que representa la felicidad. Sabine (Béatrice Romand), es una joven estudiante de historia del arte que trabaja en una tienda de antigüedades. Luego de vivir una relación con un pintor, casado y con hijos, ella decide que quiere casarse, aunque no conoce a su futuro esposo.
   Su amiga Clarisse (Arielle Dombasle) le presenta en una reunión familiar a su primo Edmond (André Dussollier), abogado, soltero y de buena posición económica. A partir de ese flechazo, Sabine intenta conquistar a Edmond, y de manera metódica, quiere conseguir su objetivo. Y como el amor evoluciona, ella debe conseguir esos cambios, así le lleven a la pérdida de su independencia.
   De esta manera, Sabine intenta anular los fracasos amorosos anteriores, idealizando el matrimonio perfecto, con el hombre perfecto, como la salida apropiada para cambiar su vida.
   Sabine es curiosa, clara y honesta. Como también es impulsiva, frágil y maniática. La historia es conducida por sus contradicciones, sentimientos, dudas, decisiones, aunque sean menos las “acertadas”, su vida transcurre en la acción.
   En la historia hay dos grandes momentos en la actuación de Sabine: la escena de su cumpleaños y en la oficina.
   Ese retratar el presente, la vida como es, aparente tesis de Éric Rohmer, presentando las historias en su desarrollo, como si se tratara de una etnografía personal, donde las preguntas muchas veces no tienen respuestas, y donde el pasado es una reminiscencia, un hecho que solo sirve para dar forma a los personajes, cuyas acciones pasadas enriquecen el presente. De hecho, podría decirse que en "La buena boda" el pasado no existe; no existe porque no puede ser registrado. Solo importa el presente, el cual es abierto.
   También es de suma importancia la palabra. Conocemos a los personajes por sus comportamientos; por lo que dicen de sí mismos. Resulta una manera directa de presentación. Esta forma de introducción de personajes es muy recurrente en la filmografía de Woody Allen. De esta manera, Sabine nos resulta íntima e inolvidable.
   Esa manera de hacer cine, que irrumpió desde la sala de redacción de Cahiers du cinema en los años 50, rompe con el academicismo francés y las influencias norteamericanas, dejando a un lado la linealidad de las tramas para enfocarse en retratar la vida con sus matices cotidianos, con gente común, en ciudades comunes.
   El naturalismo también es un punto muy importante. El uso de la luz artificial parece ser mínimo. La ciudad y el campo no son protagonistas. Son tan espectadores como nosotros del devenir de los personajes.